Así es, ha vuelto la censura a España en cuanto a Cine se refiere, ¿me estaré pasando con esta afirmación? Vamos a comprobarlo.

Os cuento: todos habréis oído hablar de películas X. Dichas películas son catalogadas así por el Ministerio de Cultura y la X se da en dos casos:

1) Las típicas películas porno.

2) Las que hagan apología de la violencia (nunca se había puesto a ninguna película una X por esto).

Bueno, de esta catalogación se han librado “joyitas” como Lucía y el Sexo, Diario de una ninfómana, telediarios a la hora de comer, Hostel 1-2…

Pues bien, creo que a todos les sonará la saga Saw, la saga de terror más taquillera de la Historia del Cine (repito, la saga de terror más taquillera de la HISTORIA DEL CINE), una saga que en cuestión de taquilla (proporcionalmente a los tiempos que corrieron en su momento con otras sagas) ha destrozado a otras como Halloween, pesadilla en Elm Street, Drácul,a, Frankenstein, la Momia, Viernes 13, Hellraiser, Evil Dead… llevaban 5 entregas, este 23 de octubre se estrenaba en abierto en toda España Saw VI en estreno conjunto con EEUU, Australia, Canada o Reino Unido entre otros y correcto, se estrenaba, o mejor dicho se iba a estrenar…

En una reunión de un número exagerado de vocales (5) y por mayoría aplastante (3-2) se ha decidido tocar los cojones un poco y…catalogar Saw VI como X. Esto obliga a que esta película sólo pueda ser emitida en salas especializadas X prohibida absolutamente la entrada a menores y cuyo número son 8 salas en todo el territorio español.

La productora LyonsGate y la distribuidora Buenavista inteligentemente han retirado el estreno de la película en España hasta que no le quiten la catalogación de X. Buenavista va a recurrir esta sentencia y como no la gane nos podemos despedir de que estrenen esta película en España, ni X ni H ni nada. Mientras en los países antes mencionados ya la han estrenado sin problemas.

Estos son los hechos, ahora va mi opinión al respecto.

Esto aunque no se diga o se intente adornar no es más que censurar una película en un país. Repito, censurar una película en un país. Algo típico de dictaduras totalitarias. ¿Apología de la violencia? ¡Iros a la mierda! ¿Discurso o escrito en alabanza a la violencia? Definitivamente estamos tontos.

Esta saga está muy exagerada, se dice que es mucho gore y mucha violencia y la hay pero no en la medida con la que la publicitan (de hecho en la primera no sale prácticamente nada de sangre, y la catalogan como Gore, tocate los cojones, entonces E.T también es gore por la escena en la que Elliot se hace un corte en el dedo). ¿Apología de la violencia? Precisamente entre la violencia que hay en esa saga se desprende un cierto mensaje moralista, un mensaje que está claro en cada entrega, ¿eso es apología de la violencia? Apología a la violencia es Hostel 1-2, el Más Allá, Las Colinas tienen ojos, Alta Tensión… ¿Por qué esas siendo muchísimo más fuertes pasaron de ellas y de esta no? Censura pura.

Y lo que es peor, algo me dice en la cabeza que si hubiera sido española no hubiera pasado nada, ya hay demasiado sexo explicito en nuestro cine que se ha estrenado para todos los públicos sin que el “Ministerio de Incultura” haga nada. Censura pura.

A mí esta saga me gusta mucho pero estoy intentando ser objetivo en todo lo que digo, y no estoy diciendo que películas como Hostel (que por cierto no me gusta nada) o Anticristo sí deban tener la X, estoy diciendo que no entiendo porque dan una X a esta saga cuando sestas otras son mucho peores en ese sentido. Así está el Cine en España, dirigido por o bien directores patéticos como Almodóvar (más preocupado de salir bien en la fotito que en hacer una puta película que al menos se pueda catalogar de regular) y por políticos como estos del ministerio que parece que sólo quieren llamar la atención. Pues mira lo que han conseguido, darle más publicidad a una película que ahora mismo está vetada, tiro por la culata.

Ah por cierto, no penséis que esto es un truco para hacerle publicidad (recordad que con el estreno de Martins o Anticristo , películas que tampoco fueron X y son peores, en Sitges se inventaron que la gente tuvo que salir a vomitar y que incluso la ambulancia se tuvo que llevar a una persona a la que la había dado un infarto, y no sé si os sonará una leyenda sobre una supuesta película fantasma llamada ataúdes de luz que mencionaremos cuando pronto se saque el post sobre películas malditas) porque…¿Qué cojones de publicidad va a hacer el ministerio de incultura español de una película estadounidense? A veces me da vergüenza este país, os lo juro.

Ah por cierto…VIVA LA PIRATERIA EN INTERNET.

¿A que se os han puesto los vellos de punta? (Mentidme, decidme que sí).

Bueno, ahora vamos con lo que pretendía este post aunque lo de arriba seguramente os parecerá muchísimo más interesante (a mí me lo parecería vamos) que es poner un amplio glosario de términos cinematográficos que seguramente ahora en esta sección de Cine empezaremos a usar con cierta asiduidad. Entre orogenias, flujos circulares de la renta, matrices, celtas y Pluralistas entre otros saco del cerebro esto antes de que una fuerza exterior lo estruje (en especial a partir de noviembre).

Todos estos términos los podéis buscar sin complicaciones en Internet, de hecho hay páginas dedicadas exclusivamente a definir un montón de movidas de estas sólo que a veces aunque te lo leas 20 veces te sigue quedando la impresión de que no te has enterado de una mierda. Lo que yo voy a intentar no es poner una definición y ya si no intentar que se entienda. Comenzamos:

· CINE (cinematógrafo: es una técnica dedicada a la proyección de fotogramas de una forma rápida y continua con el objeto de conseguir que parezca que esos fotogramas produzcan una imagen en movimiento

(Aquí corto y pego de la wiki entre otras cosas porque no tengo ni p. idea de escribir en griego :) la palabra cinematografía fue un neologismo creado a finales del siglo XIX compuesto a partir de dos plabras griegas. Por un lado κινή (kiné), que significa "movimiento” y por otro de γραφóς (grafós). Con ello se intentaba definir el concepto de "imagen en movimiento".

Como sabéis se le ha llegado a considerar el Séptimo Arte del mundo clásico (recordad que las seis artes clásicas son danza, música, escultura, pintura, arquitectura y declamación).

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· TEORÍA DEL CINE: esta teoría establece que el cine es fotografía en movimiento. Se representa la fotografía en una sección continua con objeto de mostrar a los personajes en movimiento real sin que los espectadores se muevan de sus asientos (parece algo lioso pero es complejo). Es decir, imágenes que se mueven sin necesidad de que te muevas tú.

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· RUSH: fragmentos o partes de cada toma.

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· PLANO: la forma en la que se graba a un actor. Os pongo cinco tipos:

1) General: cuerpo entero y mostrando todo el entorno alrededor.

2) Americano: muestra la acción de las manos.

3) Medio: de la cintura para arriba (entrevistas sobre todo).

4) Subjetivo: nos convertimos en los ojos del personaje.

5) Primer plano: cara y hombros.

Bueno hay 600 tipos de planos distintos, el plano figura, el picado, el two shot…El término “plano” también hace referencia a lo filmado de una única vez.

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· PLANTEAMIENTO: la estructura de la trama al igual que una obra literaria: presentación de personajes, nudo y desenlace. Aunque hace tiempo que este modelo dejó de usarse tanto, ahora para que una película nos enganche tiene que tener “movimiento” desde el principio, sino nos dormimos. En las películas sobre todo anteriores a los 80 se ve bien esta forma.

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· TELEFILM: película exclusiva para televisión sin previo paso por el cine y por tanto ajusta sus técnicas a ello (tarde de sábados y domingos en Antena 3…).

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· CLIMAX: momento crucial de una escena.

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· FOTOGRAMA: el elemento más pequeño que nos encontramos en una película, son las imágenes que se suceden en una película rodada en celuloide. En una película Disney de estas de dibujitos saltarines y de ratones más grandes que un perro serían cada uno de los dibujos que al unirse forman la película (no os extrañaréis supongo si digo que se podían utilizar miles y miles y miles de dibujos para una única película, no se podía hacer de otra forma).

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· CELULOIDE: (seguramente si no se explica esto con la definición de fotograma nos quedamos igual) es un plástico llamado nitrato de celulosa inventado aproximadamente a mediados del siglo XIX. Algunas de sus ventajas son su resistencia a la humedad o su transparencia pero es altamente inflamable y peligroso de usar.

En 1886-87 un señor llamado Hannibal Winston Goodwin (dios gana parece que se traduciría esto último) utilizó este plástico como soporte de fotografía resultando un gran éxito y abriendo el camino del origen del Cine (De ahí a que se le conozca como el “Celuloide”).

Este plástico se usó como soporte cinematográfico hasta principios de los años 40 cuando se sustituyó por triacetato de celulosa (o algo así, una cosa rara), algo más seguro ya que con celuloide no fueron pocos los cines o almacenes de películas que sufrieron incendios.

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· NOCHE AMERICANA: rodar de día y hacer parecer que es de noche (muy usado en Estados Unidos y de ahí el nombre…aunque con el término “americana” se engloba también a Mexicanos, peruanos, argentinos…). Se realiza utilizando filtros de color y colocando la luz hacia la cámara.

Actualmente esta técnica está casi en desuso (tampoco es muy efectiva).

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· TRAVELLING: movimiento de la cámara mediante raíles (normalmente). La posición más usada es poner la cámara justo de frente al personaje.

No sé si os acordaréis de Eisenstein (El Acorazado Potemkin, Octubre, Iván el terrible…) del que creo que hablamos aquí, era un auténtico especialista en esta técnica. Otro “Travelling” buenísimo es el que aparece casi al principio en el film “Senderos de Gloria”.

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· PERSISTENCIA RETINIANA: el físico Roget descubrió este fenómeno en la primera mitad del siglo XIX. Consiste en que el ojo retiene imágenes durante una fracción de segundo antes de su desaparición, permitiendo 24 imágenes fijas por segundo como una imagen continua (esto la verdad no importa mucho, es más bien curiosidad).

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· MONTAJE: es la organización de lo rodado una vez finalizado el rodaje. Aquí se ordena, se eliminan secuencias…

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· CORTOMETRAJE: película con duración inferior a 30 minutos.

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· MEDIOMETRAJE: Entre 30 y 60 minutos.

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· LARGOMETRAJE: más de 60 minutos.

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· CORTE: es la forma de hacer una transición entre dos planos

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· BANDAS: hay dos en cada película standard, una para imagen y otra para sonido.

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· SOUND TRACK: una banda donde son registrados todos los sonidos de todo el resto de bandas excepto los diálogos.

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· BANDA DE MEZCLAS: es la mezcla de “Sound Track” y banda de diálogos.

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· ANGULACIÓN: es la inclinación del eje de la cámara con el objetivo de captar al sujeto. Hay varios tipos:

1) Ángulo contrapicado: debajo del sujeto.

2) Ángulo neutro: a la altura del sujeto.

3) Ángulo picado: encima del sujeto.

4) Ángulo oblicuo: la inclinación va hacia derecha o izquierda.

Aquí es importante distinguir ángulo de plano. Ángulo siempre hace referencia a la inclinación de la cámara (si por arriba si por abajo si normal…) el plano es la forma en la que sale (todo el cuerpo, por la cintura, sólo la cara…).

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· ETALONAJE: el ajuste de la fotografía de cada toma montada.

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· FLASHBACK: recurso narrativo donde se cuentan hechos sucedidos en el pasado. Muy muy usado actualmente. La traducción sería algo así como “vuelta atrás” (no confundir con marcha atrás…no hagáis nunca el marcha atrás eh, usad píldora o condón, imaginad que el pajarito se engancha y no sale a tiempo…en fin, estoy desvariando, sigo a lo mío).

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· FLASHFORWARD: una escena soñada por el personaje para el futuro. Ojo, no es el contrario al Flashback, en tal caso esa acción futura sería algo que pasaría seguro, pero en este caso son deseos del personaje. Luego se pueden cumplir o no pero no es lo más habitual. La traducción sería algo así como “ir hacia delante”.

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· GÉNERO: forma de clasificar a las películas según su temática. Ya puse aquí una pequeña lista de géneros, la vuelvo a poner:

1) Cine independiente.

2) Cine de animación

3) Cine experimental

4) Cine documental

Ahora entraremos en cada uno de estos cuatro grandes bloques. De estos salen lo que ya todos conocemos:

a) Negro

b) Terror

c) Aventura

d) Comedia

e) Suspense

f) Drama

g) Fantasía

h) Acción

i) Romántico

j) Misterio

k) Histórico

l) Ciencia Ficción

Estos dos últimos en realidad no se consideran géneros propios sino ambientaciones, para algunos son géneros propios, para mí también.

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· CINE INDEPENDIENTE: esto surgió en los 60 cuando en EEUU un grupo de directores se unió con el propósito de crear un tipo de Cine que no tuviera nada que ver con el de Hollywood, que fuera independiente de él. Así surgieron el Cine Underground (marginal), el anticomercial, el antihollywood y el Cine de Vanguardia (aquí al igual que en las famosas Vanguardias literarias de principios de siglo XX se dan estilos como el surrearismo, el futurismo, el expresionismo, el impresionismo…el Cine y la Literatura están ligadísimos).

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· CINE DE ANIMACIÓN: Como su nombre indica es el género donde se usan técnicas de animación. Aquí no hay movimiento real, las imágenes se producen de forma unitaria una por una (Esto es un puto lío para explicar, quedaos con los típicos dibujitos animados y vamos que chutamos).

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· CINE EXPERIMENTAL: no usa el lenguaje audiovisual, es el tipo de Cine más artístico que existe haciendo sentir emociones utilizando efectos unidos al tratamiento de la imagen y sonido. A veces las escenas pintadas a mano.

Como así sin verlo es difícil de explicar os dejo unas imágenes de una película así llamada “Begotten” (1991). No os asustéis con las imágenes, esta película es bastante macabra:

Otra más actual sería “Vals con Bashir”.

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· CINE DOCUMENTAL: utiliza imágenes reales y puede ser tanto televisivo (el típico documental de la 2 o sobre la II Guerra Mundial o sobre lo que sea) o cinematográfico. Pueden ser documentales puros (imágenes totalmente reales) o documentales de recreación (como dice su nombre recreando un acontecimiento. Por ejemplo el impacto de un meteorito contra la Tierra o el Big Bang).

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· GAG: golpe de carácter cómico que nos pilla en bragas, desprevenidos.

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· JIRAFA O BOOM: un soporte que sujeta el micrófono sobre los actores con capacidad de moverse a cualquier parte para seguir todos los diálogos a una altura suficiente para no salir dentro del plano (aunque a veces sale sin querer).

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· CINE DE AUTOR: el director tiene un papel fundamental en la toma de todas las decisiones y la puesta en escena (composición del plano, es decir, la posición de los elementos y los actores) obedece a sus intenciones.

Este comentario es distinto a los anteriores porque lo hice en otro formato y hace mucho tiempo y mucho más cutre. Muchas de estas críticas las podéis encontrar en la página web Abretelibro.

Dirección y guión: Victor Salva.
Países: USA, Alemania.
Año: 2001.
Duración: 90 min.
Interpretación: Gina Philips (Patricia 'Trish' Jenner), Justin Long (Darryl 'Darry' Jenner), Jonathan Breck (Creeper), Patricia Belcher (Jezelle Gay Hartman), Brandon Smith (Sargento David Tubbs), Eileen Brennan (Eliza 'Cat Lady' Malloy).
Producción: Tom Luse y Barry Opper.
Música: Bennett Salvay.
Fotografía: Don E. FauntLeRoy.
Montaje: Ed Marx.
Diseño de producción: Steven Legler.
Dirección artística: Kevin Egeland.
Vestuario: Emae Villalobos.
Decorados: Barbara Peterson.

Terror. Adolescentes / SINOPSIS: Trish Jenner (Gina Philips) y su hermano menor Derry (Justin Long) cruzan los Estados Unidos en coche, en un viaje largo y aburrido cuya monotonía sólo se rompe por sus continuas discusiones. De pronto, en mitad de ninguna parte, descubren una iglesia abandonada cuyo tejado está cubierto por una espesa bandada de cuervos y ven como un misterioso personaje arroja un bulto al interior de una gran boca del aalcantarillado. A partir de ese momento comienzan una huida aterradora, perseguidos por una de las criaturas más letales que se pueda imaginar.

Ya sabemos que los críticos de cine profesionales se basan en elementos y detalles que pueden pasar desapercibidos a los ojos del espectador corriente de calle, en cosas que a ti ni te van ni te vienen. Por eso yo siempre suelo pasar de las opiniones de los críticos y ver comentarios de gente corriente para ver si una película es recomendable. Dentro de estos comentarios, los mejores no son los que intentan describir a lo que diría un crítico profesional, los que hacen esto seguramente acaben sin tener idea de que puñetas están hablando. Alguien como nosotros lo que busca en una película sobretodo es entretenimiento, si luego resulta que es una obra maestra pues mejor aun. Por eso los mejores comentarios son los de gente que desconoce los detalles cinematográficos y simplemente expresan lo que tu quieres leer, yendo al grano, sin pararse en detalles que para nosotros suenan a chino.Todo este rollo que os he soltado tiene algo que ver con esta película.

"Jeepers Creepers" no tiene un argumento excesivamente original, de hecho parece sacado de cualquier otraroad movie. Dos hermanos que no se llevan muy bien (no es la típica parejita que nos ofrecería sexo) conducen en una carretera secundaria en la que parece que sólo están ellos, hasta que empiezan a ser acosados por alguien...o algo. Como veis es un argumento bastante visto ya, sin embargo tiene un punto que hace diferente esta película de otras similares, esta si que merece entrar dentro del género de terror.

Se podría dividir la película en dos partes. La primera es absolutamente fantástica, con un gran ritmo, mucha tensión y grandes escenas. La segunda decae un poco pero sigue siendo respetable. La pareja de actores principales actúan muy bien para ser tan jóvenes, y eso le da un plus a la cinta, algo que muchas veces falta en películas de Serie B como esta.

Nos centramos en la figura del villano, "the Creepers". Un ser que parece salido de las peores pesadillas de un lunático y que prácticamente representa al mismo Satanás (de hecho en algunos países se tituló a esta cinta ·El demonio"). Este aterrorizador pero, al cabo del tiempo entrañable ser, despierta de su letargo cada 23 años,y durante 23 días para sobrevivir se alimenta de órganos humanos arrancados en vida a sus presas. Se viste como un humano para pasar desapercibido entre nosotros, es capaz de oler nuestro miedo y eso es lo que de verdad le vuelve famélico.

Uno de los mejores momentos sin duda de la película es la escena en la que uno de los hermanos se introduce dentro del a guarida de "the Creepers", donde se observa un auténtico refugio del mal. A las pavorosas escenas que se viven ahí dentro se suma la tensión y la angustia de lo que pueda aparecer de la oscuridad.

Las escenas de la película son el su mayoría algo oscuras, pero eso es lo que se pretende en realidad, que no sepamos a lo que nos enfrentamos. El ritmo es trepidante y te atrapa casi desde el primer minuto. Hasta que llegamos a la citada segunda parte de la película donde todo esto decae un poco (era muy difícil seguir así toda la película de todas formas), y la puesta en escena de la vidente, a pesar de que completa una buena actuación, le quita algo de seriedad al film.

El final es abierto a posibles secuelas (de hecho se hizo una y pronto se estrenará la tercera parte) y desde luego me parece que es bastante recomendable para los aficionados al género. No es muy conocida ni tiene mucha repercusión en el mundo como otras que, a mi parecer, son peores.

NOTA FINAL: 8.

FRASES CELEBRES:

_¿Quién será el próximo?

_Cada 23 primaveras, durante 23 días...le toca comer.

TRAILER.

1. Ficha técnica.

2. El director.

Sergei M. Eisenstein (Riga, 23 de enero de 1898-11 de febrero de 1948) fue un director de cine y teatro soviético que, con su técnica de montaje, revolucionó el mundo del Cine (aún en experimentación en esa época) y sirvió de referencia para muchos directores.

Entre su filmografía además se puede destacar “Octubre” (1927) o “Iván el terrible (1948).

3. Comentario.

Lo primero de todo tengo que decir que infravaloré esta película antes de verla, había oído que era una de las mejores películas de la historia y una maravilla de la época silente pero, a pesar de que soy aficionado a esta etapa, nunca me llamó demasiado la atención. Sin embargo, si de verdad me gustaba el Cine Clásico, tenía que verla aunque sólo fuera por curiosidad y lo hice. ¿El resultado? Me dejó con la boca abierta.

Nos encontramos ante toda una película propagandista, una de las que tanto abundaban en aquella época, una crítica feroz a los altos cargos. Ya el inicio del film en el que se visualiza una frase de Lenin (“la revolución es guerra, la única en verdad legítima, justa y grande, entre cuantas ha conocido la Historia. En Rusia, esta guerra ha sido declarada y ha comenzado”) indica cómo será lo siguiente. Las primeras escenas son esclarecedoras: jefes que viven bien, comen bien, duermen bien…y los marineros, que viven en condiciones pésimas…hasta que no aguantan más.

Las actuaciones no destacan porque así parece estar pensado, ningún personaje sale mucho ni, salvo alguna excepción, ni brilla en especial, incluso el mismo director interpreta un breve papel de sacerdote. En definitiva, brilla el conjunto y no parece haber un personaje protagonista, el protagonista es el grupo.

Hay que mencionar sin duda la secuencia más famosa, las escaleras de Odessa, escena totalmente angustiosa y en la que se basarían posteriormente otros directores (la escena en la que el carrito del bebe cae por las escaleras fue imitada en “Los Intocables de Elliot Net”, por ejemplo). Una forma perfecta de ver como en esa época, cualquier revuelta era liquidada a balazos contra cualquiera, aunque sea un niño. Además la escena está perfectamente rodada intercambiando actuaciones de los inocentes y los verdugos, Eisenstein fue un genio en esto.

Otro punto a destacar es la gran fotografía, otro asunto que Eisenstein dominaba mejor que nadie.

Una ventaja es que no es para nada larga (80 minutos aproximadamente, las películas del periodo Silente no solían ser muy largas), lo que la hace más llevadera aunque hay partes que pueden flojear un poco y quizá no fuera tan necesario hacerlas tan extensas (por ejemplo: la llegada de los marineros al puerto).

En resumen: obra de arte de un director que ya de por sí es una joya y que ha sido considerada por muchos como la mejor película de la Historia (esta consideración también ha sido aplicada a otras obras como “Ciudadano Kane” o “Casablanca” entre otras, cuestión de gustos).

5. Hechos reales

Tal y como se muestra en la película, el Acorazado Potemkin existió de verdad y en él los marineros se amotinaron contra los oficiales zaristas. Las causas del motín siguen siendo desconocidas a día de hoy.

A su llegada a Odessa, la inestabilidad de esta población (que se encontraba en huelga general) aumentó debido a las diferencias que manifestaban huelguistas y marineros. El 16 de junio se produjo una manifestación en la escalinata que une puerto y centro de la ciudad y se produjo un tiroteo entre los manifestantes y la caballería zarista. La matanza de la escalinata sin embargo, no está confirmada como hecho real aún, aunque las crónicas de la época sí que hablan de fuertes matanzas.

El gobierno dio un ultimátum a la tripulación: o se rendían o hundirían el buque. Dos escuadrones fueron enviados al encuentro del Potemkin, pero no abrieron fuego contra sus ex compañeros hasta el punto de que uno de ellos se unió al acorazado.

Finalmente, el 18 de junio el Potemkin partió hacia Rumania en busca de suministros. El 25 de junio la nave fue entregada a las autoridades rumanas y fue devuelta al gobierno ruso. La mayoría de los amotinados permaneció en Rumania, mientras que los que volvieron a Rusia fueron, o bien ejecutados, o bien condenados a penas de prisión.

5. Frases/diálogos interesantes.

Al ser una película muda, estas intervenciones no son lanzadas por los actores sino que se expresan por títulos (cuando comenzó el Cine Sonoro, los títulos pasaron a llamarse subtítulos).

-Nosotros, marineros del Potemkin, debemos apoyar a nuestros hermanos, los obreros y estar en vanguardia de la revolución.

-Sobre la cabeza de los mandos, sonó el hurra fraternal.

6. Otras películas interesantes.

Sobre la Revolución Rusa (cualquiera de ellas):

- Octubre (1927).

-Doctor Zhivago (1965).

¿Teléfono Rojo? Volamos hacia Moscú.

1. Ficha técnica.

TITULO ORIGINAL	Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb
AÑO	1963
DURACIÓN	93 min.
PAÍS	Inglaterra.
DIRECTOR	Stanley Kubrick
GUIÓN	Stanley Kubrick, Terry Southern, Peter George (Novela: Peter George)
MÚSICA	Laurie Johnson
FOTOGRAFÍA	Gilbert Taylor (B&W)
REPARTO	Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, James Earl Jones, Keenan Wynn, Slim Pickens, Peter Bull, Tracy Reed, Jack Creley, Frank Berry, Glenn Beck, Shane Rimmer, Paul Tamarin, Gordon Tanner, Robert O'Neil, Roy Stephens
PRODUCTORA	Columbia / Hawk Films
GÉNERO Y CRÍTICA	4 Nominaciones a los Oscar: película, director, actor y guión / Comedia antibélica / SINOPSIS: Convencido de que los comunistas están contaminando a la nación americana, un general ordena, en un acceso de locura, un ataque aéreo nuclear por sorpresa sobre la Unión Soviética. Su ayudante, el capitán Mandrake, trata de averiguar el código para detener el bombardeo. Para solucionar el problema, el presidente de EE. UU se comunica con Moscú para convencer al dirigente soviético de que el ataque es un estúpido error. Mientras tanto, el asesor del presiente, un antiguo científico nazi, el Dr. Strangelove, confirma la existencia de la “Máquina del Juicio Final”, un dispositivo de represalia soviético capaz de acabar con la humanidad para siempre.

2. El director.

Stanley Kubrick al igual que en Senderos de gloria.

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3. Comentario.

Tremenda crítica a la Guerra Fría en forma de parodia estrenada tan sólo un año después de que el mundo hubiera sido aterrorizado por la crisis de los misiles de Cuba. Kubrick retrata la locura y las obsesiones que rusos y estadounidenses se tomaron entre sí.

Todo empieza cuando un oficial estadounidense, al pensar que los comunistas están contaminando el agua, enloquece y ordena un ataque nuclear contra la URSS, algo que en la realidad no era nada descabellado en esa época, de hecho muchos sectores estaban deseando una Tercera Guerra Mundial.

Debido a esto, se trata de un relato bastante original y para nada poco creíble en el que las actuaciones destacan en lo que deben destacar: unos locura, unos coherencia y otros preocupados tan sólo de que el otro bloque no les tome la delantera (por ejemplo cuando las aviones estadounidenses están a punto de bombardear ya la URSS y los altos cargos estadounidenses sólo están preocupados por las ventajas que puedan tener los soviéticos dentro de un siglo cuando los efectos del bombardeo desaparezcan), y en esta película se puede hacer un repaso a la actitud y mentalidad de los personajes principales:

· El oficial estadounidense totalmente anticomunista que enloquece y ordena un ataque nuclear sin permiso de sus superiores a la URSS, el código para parar el ataque sólo lo sabe él y cada vez queda menos…

· Su ayudante inglés tratando de convencer que pare el ataque sin éxito y que tendrá que intentar descubrir el código por sí sólo…a pesar de esta actitud pacifista le querrán hacer responsable ante la casa Coca Cola.

· El general nervioso que trata desesperadamente de convencer al presidente de que, puesto que no se puede parar el ataque, aprovechar para “hacer el trabajo completo” y lanzar misiles sobre las principales bases soviéticas para que no haya lugar a represalias (aunque no cuenta con el “Juicio Final”). Para mí este es el mejor personaje de la película.

· El presidente estadounidense, un hombre con mentalidad pacifista y que no quiere oír ni hablar de ataques nucleares pero que de repente se encontrará ante una encrucijada.

· El embajador ruso con cara de pocos amigos y que aprovechará su estancia en el Pentágono para hacer fotos secretas. No tendrá mucho interés en intentar negociar.

· El Doctor Strangelove (personaje que da el título original en inglés de la película y uno de los mejores personajes) es un antiguo científico nazi que explica cómo funciona la máquina del Juicio Final y cómo debería ser el mundo una vez esta máquina haya hecho efecto y quienes deberían salvarse (él mismo se ofrece como director de recursos humanos).

Uno de los inconvenientes es que se puede hacer algo aburrida en algunos momentos como las escenas de los aviones dirigiéndose a los objetivos (aunque debía ser así porque la URSS no se recorre en cinco minutos) pero la mejor escena sin embargo se produce justo en un avión: al momento de lanzar la bomba, ésta se atasca y el comandante intenta desatascarla desesperadamente hasta que al final, en una escena muy de Kubrick, la bomba es soltada con el comandante subida en ella, una escena que ha pasado a la Historia.

El final es una auténtica crítica a los altos cargos obsesionados con la Guerra Fría e, indirectamente, a la crisis de Cuba del año anterior. Hasta cuando el mundo está acabado, las disputas entre occidentales y comunistas continúan.

En resumen, excelente versión humorística de un periodo tan delicado como la guerra fría y rodada además en una época de máxima tensión entre ambas superpotencias.

4. Hechos reales.

Esta película no está basada en ningún hecho verídico, está inspirada en el proceso histórico que se estaba viviendo en los 60 y en especial en la crisis de los misiles pero nada de lo que pasa en la película ocurrió de verdad.

5. Curiosidades.

-Hubo que repetir una escena 48 veces porque Hayden no acertaba a decir bien el guión.

-El estreno estaba fijado para el 26 de diciembre de 1963, pero debido al asesinato de Kennedy se pospuso hasta enero.

-Cuando el personaje interpretado por Slim Pickens repasa en el bombardero los objetos contenidos en el kit de supervivencia comenta que con todo ello se podría uno montar una noche de juerga en Texas, pero debido al asesinato de JKF tan reciente, en post-producción tuvieron que doblar el diálogo y cambiar Texas por Las Vegas.

-Peter Sellers interpreta al presidente de Estados Unidos, al Doctor Strangelove y al oficial inglés de la base de Bulperson, y se tenía pensado que también interpretara al oficial del bombardero pero se fracturó la pierna y Kubrick le sustituyó para que no hubiera más retrasos.

6. Frases/diálogos interesantes.

-Caballeros, no pueden pelear aquí, este es el Departamento de Guerra.

-Escucha Dimitri, ya sabes que siempre hemos hablado de que ocurra algo grave con la bomba. La bomba Dimitri ¡La de hidrógeno hombre!

-La guerra es demasiado importante para dejársela a los generales.

-Aunque no me gusta juzgar sin tener a la vista los hechos, empiezo a pensar que el general Ripper se ha pasado en sus atribuciones.

-Es necesario ahora elegir entre dos posibilidades de posguerra, ambas desgraciadamente lamentables pero notablemente distintas. Una: que hayan muerto 20 millones de personas y otra que hayan muerto 150 millones.

-No pienso pasar a la Historia como el mayor asesino colectivo desde Adolf Hitler. –Quizá fuera preferible señor presidente que se preocupara un poco más por el pueblo americano que no de su proyección en la Historia.

-¡Mein Fuhrër, puedo andar!.

7. Otras películas interesantes.

Sobre la guerra fría:

-Colossus: el proyecto prohibido (1970).

-Juegos de guerra (1983).

El Hundimiento.

1. Ficha técnica.

TITULO ORIGINAL	Der Untergang
AÑO	2004
DURACIÓN	155 min.
PAÍS	Alemania.
DIRECTOR	Oliver Hirschbiegel
GUIÓN	Bernd Eichinger (Novela: Joaquim Fest)
MÚSICA	Stephan Zacharias
FOTOGRAFÍA	Rainer Klausmann
REPARTO	Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Corinna Harfouch, Ulrich Matthes, Juliane Köhler, Heino Ferch, Christian Berkel, Matthias Habich, Thomas Kretschmann
PRODUCTORA	Constantin Film
GÉNERO Y CRÍTICA	Nominada a la Mejor película de habla no inglesa / Drama. Bélico. Histórico / SINOPSIS: Berlín, abril de 1945. Una nación está a punto de sufrir su hundimiento. Una encarnizada batalla se libra en las calles de la capital. Hitler (Bruno Ganz) y su círculo de confianza se han atrincherado en el búnker del Führer. Entre ellos se encuentra Traudl Junge (Alexandra Maria Lara), secretaria personal de Hitler. En el exterior, la situación se recrudece. A pesar de que Berlín ya no puede resistir más, el Führer se niega a abandonar la ciudad. Mientras el sangriento peso de la guerra cae sobre sus últimos defensores, Hitler, acompañado de Eva Braun (Juliane Köhler), prepara su despedida final...

2. El director.

Oliver Hirschbiegel (Hamburgo, 26 de marzo de 1957) es un director alemán que ha dirigido cinco películas hasta el momento, siendo El hundimiento la más valorada y premiada.

3. Comentario.

Estableciendo una visión general y personal, no sólo es la mejor adaptación de Hitler a la gran pantalla, sino una de las mejores películas bélicas de la Historia.

Sus dos horas y media de duración pueden causar una primera impresión negativa, pero en ningún momento se hace pesada, te mantiene pegada al asiento durante todo el metraje. El director no se molesta en hacer un prólogo largo como en la mayoría de películas así y la acción empieza pronto para no parar.

Las actuaciones son magníficas destacando las dos principales: Bruno Ganz en el papel de Hitler donde cuaja una actuación a la altura de los más grandes y Alexandra María Lara en el papel de Traudl Junge, la secretaria personal del Führer que ve en primera persona todo lo acontecido en el Búnker de la cancillería durante aquellos días. Los secundarios también cumplen con creces y personajes como los del ministro de propaganda Goebbels están muy bien caracterizados. A destacar que todos los personajes existieron de verdad, de hecho al final se cuenta qué pasó con cada uno de ellos (un gran acierto).

El director logra crear una atmósfera totalmente angustiosa que se mantiene hasta el final: los momentos de lucha en la calle y como la gente pierde la cabeza y el sentido de la realidad son magníficos, y afectan tanto a gente más o menos mayor como a niños normales (juventudes Hitlerianas) que en la vida real fueron usados en la defensa de Berlín debido a la falta de efectivos.

Si la situación es angustiosa en el exterior, mayor es esa sensación en el interior del Búnker donde la gente asume prácticamente con naturalidad que no tienen salvación posible y espera el momento oportuno para suicidarse. Esa comedura de coco está muy bien enfocada, la gente vive por y para el nacionalsocialismo, su mentalidad está totalmente metida dentro de eso y los suicidios son constantes en la película (la frase de la esposa de Goebbels: “prefiero que mis hijos mueran antes de que vivan en un mundo sin nacionalsocialismo” da una idea de lo que ocurre).

Volvemos a hablar de los personajes para centrarnos en el personaje de Adolf Hitler, una persona que poco a poco irá perdiendo la noción de la realidad hasta prácticamente perder el juicio. Un personaje que ve como su gran sueño se derrumba delante de sus propias narices y que se mantiene a un imposible hilo de esperanza que sólo él ve, es imposible que su sueño salga adelante pero él no quiere verlo, esa obsesión y locura está perfectamente expresada llegando a haber momentos en los que casi provoca pena.

Los efectos son de bastante nivel, sin preocuparse en no mostrar escenas fuertes, es por esta serie de razones (angustia, batallas sangrientas) que, a diferencia que en alguna que otra película bélica, esta no la pueden ver niños porque es demasiado fuerte y real.

Algo que querría destacar es una historia secundaria que se produce, una historia en la que un joven, prácticamente un niño, desobedece a su padre (el cual sabe perfectamente que Alemania está perdida) y se lanza a luchar contra los soviéticos. Al final entrará en razón e iniciará una huida peligrosa hasta reencontrarse con su padre.

Resumiendo: el mejor Hitler de la Historia del Cine y sobre todo, rodada por alemanes, por sus compatriotas. Esto al igual que en Stalingrado la favorece y la hace más verídica (también destacar que aunque el doblaje al castellano no está mal, lo verdaderamente interesante es ver esta película en alemán y subtitulada.

4. Hechos reales.

El 30 de abril de 1945, con los rusos prácticamente llamando a la puerta de su Búnker. Hitler lo dejó todo previsto para después de su suicidio. No quería acabar como Mussolini (cuyo cuerpo fue ultrajado) y ordeno que su cuerpo fuera incinerado.

Una vez se suicidaron Hitler y su esposa, sus órdenes fueron seguidas al pie de la letra y los cadáveres fueron incinerados en el patio trasero de la cancillería, pero un obús ruso hizo que los presentes se retiraran sin confirmar la total incineración de los cadáveres.

Su muerte se puso en duda durante mucho tiempo e incluso se crearon mitos tales como que lo que encontraron los rusos fue el cadáver de un doble de Hitler y no al verdadero que escapó.

5. Curiosidades.

-Bruno Ganz estudió el acento de Hitler y su Parkinson en un hospital suizo para preparar el papel.

-Es la primera película alemana que trata abiertamente el tema de Hitler desde "Der Letzte Akt" (1956), de G. W. Pabst, narrada desde el punto de vista de un simple soldado alemán interpretado por Oskar Werner, lo que abre una brecha en la historia del cine alemán.

-Se construyó una réplica completa del Búnker de Hitler en un estudio de sonido de Bavaria Studios.

6. Frases/diálogos interesantes.

-En una guerra como esta no existen los civiles.

-Mañana millones de personas me odiaran, así lo quiso el destino.

-Cuando me encuentre con Eisenshower, ¿le debo dar el saludo nazi o sólo estrecharle la mano?

-Prefiero que mis hijos mueran antes de que vivan en un mundo sin nacionalsocialismo.

-Si perdemos la guerra me importa un cuerno que el pueblo alemán se vaya al infierno.

7. Otras películas interesantes.

Sobre Hitler o la Batalla de Berlín:

-El gran dictador (1941): parodia de Hitler.

-La caída de Berlín (1949): película propagandista rusa.

- Der Letzte Akt (1956).

-Liberación (1969): telefilm soviético dividido en cinco partes.

Stalingrado.

1. Ficha técnica.

AÑO	1992
DURACIÓN	135 min.
PAÍS	Alemania.
DIRECTOR	Joseph Vilsmaier
GUIÓN	Johannes Heide, Jürgen Büsche, Joseph Vilsmaier
MÚSICA	Norbert J. Schneider
FOTOGRAFÍA	Joseph Vilsmaier
REPARTO	Dominique Horwitz, Thomas Kretschmann, Jochen Nickel, Dana Vavrova, Martin Benrath, Sebastian Rudolph
PRODUCTORA	Coproducción Alemania-Suecia
GÉNERO Y CRÍTICA	Bélica (II Guerra Mundial) / SINOPSIS: Narra el asedio a la ciudad rusa de Stalingrado por parte de las tropas alemanas durante la Segunda Guerra Mundial.

2.El director.

Joseph Vilsmaier (Múnich 24 de enero de 1939) es un director alemán autor de una decena de películas y con varios premios en Alemania.

3. Comentario.

Para empezar, hay que dar dos detalles:

· Fue la película alemana con más presupuesto de la Historia.

· Fue una de las primeras películas que trató con seriedad la lucha en el Este durante la Segunda Guerra Mundial.

La trama se centra en el bando nazi, pero no en generales ni altos cargos sino en soldados normales, jóvenes de a pie que fueron llamados a una sentencia a muerte, y en la batalla que cambió el curso de la guerra: Stalingrado.

La película muestra con un ritmo pausado aunque no aburrido y de forma perfecta la evolución que experimentan un conjunto de jóvenes soldados alemanes antes de entrar en combate: empiezan con una fase relajada y optimista, según se acercan a Stalingrado se van inquietando, cuando llegan y ven la enorme cantidad de heridos (escenas bastante crudas) empiezan a temblar y cuando empiezan los combates ya no son ellos de verdad, el terror los hace cambiar.

El enorme presupuesto con el que fue hecha se nota en bastantes escenas pero también desentona en otras donde la cámara es bastante floja, algo oscura en ocasiones, se podría haber mejorado ese aspecto. El presupuesto sí se nota en los efectos (tampoco son asombrosos pero se nota que no están hechos con un bajo presupuesto), en especial en los momentos de combates (básicamente sólo hay dos momentos de combate real, cortos pero muy buenos).

La ambientación está muy lograda y proporciona momentos realmente angustiosos como las escenas en las nieves perpetuas siberianas, los fusilamientos o los angustiosos intentos de huida de Stalingrado de los soldados. Los soldados alemanes se convierten en víctimas y los soldados soviéticos no son caracterizados como los malos, sino como otras víctimas, unos movidos por Hitler y otros por Stalin, sensacional es el momento en el que ambos bandos aceptan una pequeña tregua para recoger a sus heridos y algunos soldados soviéticos y alemanes reciben víveres del otro bando o cuando los soviéticos entonan una canción en pleno asedio,

Las actuaciones son excepcionales, logran transmitir comprensión y pena por parte de los soldados y repulsión y asco por parte de los dirigentes nazis mostrados como inhumanos sin sentimientos. Decíamos antes que esta fue una de las primeras películas que se dedicó al Frente Este, y sin duda los alemanes eran los más indicados para hacer una película así, ni estadounidenses ni japoneses, esta película era necesaria que fuera hecha por alemanes.

Eso sí, como buen cine europeo no podía faltar una pequeña escena de sexo, no exagerada ni demasiado fuerte pero escena de sexo al fin y al cabo, poco duradera y apenas tiene repercusión.

Película antibélica pero que, a diferencia de Senderos de gloria, tiene momentos de batalla y muestra escenas realmente duras y reales. Película recomendada para amantes de este tipo de Cine.

5. Hechos reales.

La batalla de Stalingrado tuvo lugar desde junio de 1942 hasta abril de 1943. Fuera del proceso destructivo que se vivió nos vamos a centrar en otros detalles tal y como se muestra en la película.

Stalin, a diferencia de en Leningrado, ordeno parcialmente la evacuación de la ciudad, pero sólo parcialmente ya que pensaba que una ciudad llena de civiles en plena batalla sería más motivador para sus soldados. La vida en las calles se basaba en continuas represalias: se daban situaciones tales como que algún soldado al ir a socorrer a algún herido o a por algún cadáver fuera asesinado bien por metralla o bien por francotiradores y que como venganza el otro bando hiciera lo mismo, así transcurría la vida en Stalingrado.

Pasado un tiempo del conflicto, los altos cargos alemanes se despreocuparon de las tropas y prácticamente las dejaron a su suerte hasta llegar al punto de no llegar ni a apuntar a los muertos, muchos soldados alemanes se suicidaron, fueron mutilados de por vida o intentaron escapar sin éxito y fueron fusilados por sus propios compatriotas.

Aunque en la película no se muestra, hay que añadir que en el bando ruso se vivieron situaciones parecidas, En Stalingrado por ejemplo muchos soldados soviéticos fueron obligados a punta de rifle a exponerse a las balas alemanas sin armas para defenderse, de modo que si no morían a manos de los alemanes morían a manos de los propios generales rusos.

6. Curiosidades.

-Fue la película alemana más cara de la historia.

-Una gran parte fue rodada en las estepas rusas y en Siberia, donde se desarrolla la acción.

7. Frases/diálogos interesantes.

-¿Quiere apostar algo a que yo sobreviviré a esta guerra y usted no?

-Creo que me he cagado en los pantalones. –No eres el único.

-¡Dejadnos subir!.

-Hace demasiado frio para llorar.

7. Otras películas interesantes.

Hay cientos de películas de la Segunda Guerra Mundial, sobre la batalla de Stalingrado también destacan:

-El médico de Stalingrado (1958).

-Batalla en el infierno (1959).

1. Ficha técnica.

2. El director.

Stanley Kubrick (Nueva York 26 de junio de 1928-Reino Unido 7 de marzo de 1999) ha sido considerado como uno de los directores más influyentes del siglo XX a pesar del corto número de películas que realizó debido a su precisión técnica y a la utilización de símbolos.

Entre su filmografía también destacan Espartaco(1960), ¿Teléfono Rojo? Volamos hacia Moscú (1964, hablaremos de ella más adelante) o La chaqueta metálica (1927) entre otras.

3. Comentario.

Dentro del subgénero de películas bélicas podemos distinguir entre películas propiamente bélicas (no tienen mensaje, su intención simplemente es mostrar los hechos, reales o ficticios) o las antibélicas (muestran un mensaje en contra de la guerra y profundiza más en los sentimientos de los personajes). Esta pertenece al segundo grupo y además de manera brutal.

Kubrick realiza un gran montaje donde consigue que escenas que normalmente pasarían desapercibidas se conviertan en lo más destacado, por ejemplo el travelling por las trincheras al comienza de la película donde se ve claramente cómo vivían los soldados y el miedo que sentían.

Hay algunas actuaciones que rozan la perfección, como por ejemplo la de Kirk Douglas en el papel de Dax en el cual mantiene una gran tensión adecuada a un personaje así. Al conjunto de la película le ayudan a que los secundarios (soldados, generales…) también lo bordan en bastantes ocasiones gracias a una expresividad realista (lo importante no era lucir una carita de ángel como ahora) y a una muestra de sentimientos que consigue que te identifiques con ellos. Eso es lo mínimo que se le puede pedir a una película para que sea buena, que el espectador consiga identificarse con los personajes, y en eso el director y su equipo tienen mucho que ver al ser capaces de elegir a las personas adecuadas. En este caso se consigue que el espectador se ponga sin dudarlo de parte de los soldados inocentes y muestre su rechazo e incluso su odio ante los generales que tan bien viven mientras sus tropas se pelean por un trozo de pan.

El ritmo al que te somete el film es constante y no te llega a cansar ni a aburrir ya que no se molestan en emitir escenas sin sentido o que no aporten nada, la historia de la película se mantiene constante durante la hora y media de duración (buena duración para lo que se pretende) y eso sin duda la hace ganar en calidad. El factor de no aburrir al espectador es muy importante siempre.

Como se ha dicho antes, el carácter de esta película es claramente antibélico y antimilitarista, una crítica al alto mando francés durante la Gran Guerra donde hacían acciones como las que se muestran en la película: acusar sin sentido a los soldados, fusilar aunque no haya motivo alguno…muchas veces para tapar su propia culpa (Kubrick lo expresa a la perfección). De hecho, al principio esta película estuvo prohibida en varios países por esa imagen que da sobre los altos mandos.

Datos que la conviertan en antibelicista los podemos encontrar por ejemplo en la única escena donde se reproduce una batalla en toda la película, la primera novedad es que se produce casi al principio, no en la parte final como normalmente suelen suceder. Lo segundo es que no es muy duradera ni muestra escenas épicas, no se buscaba convertir esta película en eso, de hecho (y esto es importante para entender este film) durante toda la película no sale ¡ni un solo enemigo!, no aparece ni un solo soldado alemán en toda la película, otra prueba de que Kubrick pasaba de lo que ocurriera en el campo de batalla, interesan más los sentimientos que los hechos (de hecho hay una escena sublime donde se muestra a dos atemorizados soldados discutiendo sobre cuál sería la manera más rápida y menos dolorosa de morir en una batalla).

Al final se podría decir que no ocurre lo que el espectador cree y desea y el grado de injusticia es tremendo para el público. Esta injusticia podría contrastar con la que quizá sea la escena más perfecta de la película: una joven chica alemana prisionera de los soldados franceses, los cuales la insultan, la humillan, se ríen de ella y la obligan a cantar para poder seguirse burlando de ella, la chica está llorando pero empieza a cantar cada vez con más intensidad y con una voz angelical que poco a poco provoca el silencio de los soldados. Según transcurre la canción, algunos los soldados olvidan que es una prisionera y comienzan a cantar con ella mientras otros dejan resbalar sus lágrimas, en un mensaje claramente pacifista y emotivo.

4. Hechos reales

Durante la Primera Guerra Mundial se desarrolló una nueva táctica: las trincheras. Su función era proteger a los soldados de los disparos. Pero las condiciones en las que los combatientes convivían eran prácticamente inhumanas e impedía el avance de las tropas, en batallas como las de Verdum o Somme hubo una cantidad ingente de muertos para conseguir un avance mínimo.

En cuanto al asunto de los generales, el Ejército Francés llegó a hacer fusilamientos por cobardía. En una ocasión, tras tres intentos fallidos de tomar una posición rival, se ordeno bombardear las trincheras francesas aunque el comandante encargado se negó si no le ponían esa orden por escrito. También hubo situaciones en las que se ordenaba atacar porque ese día no se había llegado al número de bajas considerado como aceptable.

5. Curiosidades.

-En EEUU se estrenó sin problemas, pero al llegar a Europa, las autoridades francesas presionaron para que no fuera emitida al considerar detestable la imagen que daba del ejército francés, llevándose a cabo una serie de censuras y prohibiciones.

-En España no se emitió hasta 1986.

-Fue rodada en Alemania aunque en un principio estaba pensado que se rodara en Francia pero resultó imposible.

-El guión fue rechazado por varias productoras de Hollywood.

7. Frases/diálogos interesantes.

-Caballeros del jurado, hay veces que me siento avergonzado de pertenecer a la raza humana, y esta es una de ellas.

-¡Si esos cobardes no se enfrentan a las balas alemanas se enfrentarán a las francesas!.

-¿Ves esa cucaracha? Mañana por la mañana estaremos muertos y ella estará viva. Tendrá más contacto con mi mujer y mi hijo que yo. No seré nada y ella estará viva.

6. Otras películas interesantes.

Películas antibélicas sobre la Primera Guerra Mundial:

-Yo acuso (1919).

-Sin novedad en el frente (1930).

-La gran ilusión (1937).

-Johnny cogió su fusil (1971).

Volvemos con esta sección que llevaba un tiempo paradita, a ver si acabamos de una vez con la década de los 50. Dejamos la Ciencia Ficción y esta entrega se centrará ya en el Terror, y en la siguiente entrega para finalizar la década nos meteremos de lleno ya en la Hamer.

Recordemos cómo estaba la situación mundial explica en anteriores entregas:

Estábamos en plena guerra fría: el bloque Occidental y el bloque Socialista enfrentados por el liderazgo del mundo. Los occidentales liderados por EEUU estaban en ventaja frente al otro bloque en dinero y armamentos, y salvo la Guerra de Corea donde hubo empate había ganado los demás conflictos. Ni EEUU ni la URSS se enfrentaron nunca en conflicto directo sino indirectamente, un duelo entre ambos hubiera sido un suicidio colectivo.

En Oriente Medio la situación se calentaba cada vez más (haremos un post aparte para esto) y la Descolonización cada vez se extendía más y más. A pesar de que fue en los 40, destacó sobre todo la independencia de “La joya del imperio británico”: la India. En uno de los momentos más maravillosos de la Historia, Ghandi, líder del movimiento independista indio, optó por la postura de la no violencia: pase lo que pase no se debía emplear la violencia. Hubo momentos en el que un montón de indios arrodillados eran ametrallados por los británicos pero no se defendían. Finalmente Inglaterra tuvo que dejar el territorio.

Bueno, hoy no vamos a entretenernos mucho con la situación histórica ya que ya está hablada aquí y vamos directamente a sólo dos películas elegidas esta vez:

LAS DIABÓLICAS (1955)

Esta película en realidad no es de Terror del todo, es más bien intriga pero no pasa nada tampoco por meterla dentro del Terror debido a la aportación de un muerto vuelto de la tumba al estilo del Nosferatu de Murnau.

También hay elementos del Cine Negro en la figura del inspector de policía jubilado, con un carácter cabrón pero despistado convirtiéndole en una amenaza para el criminal.

La narración es fluida y la mayor parte de las escenas tienen lugar en paisajes y calles europeos, no se intenta imitar los países del cine estadounidense como se solía hacer. El triángulo de actores principales es buenísimo en especial Paul Meurisse. La trama es más fantástica de lo que se pretende desde el principio: una esposa y la amante de su marido unidas contra él. Muchas películas tienen intención de ser fantásticas y no lo consiguen pero a esta le pasa justo lo contrario.

La secuencia final aporta un toque de erotismo con un camisón casi transparente que luce Véra Clouzot, esposa del director.

LA NOCHE DEL CAZADOR (1955)

Carlos Boyero la definió como “la película más inquietante de la Historia”.

Miguel Ángel Palomo la definió como “el más perverso cuento de hadas de la Historia del Cine”.

¿Qué puede tener esta película para que haya sido declarada con tanta unanimidad como una Obra de Arte?

1 Un expresionismo nunca visto ni siquiera en la mejor etapa del Cine Alemán en los años 20.

2 La enorme precisión en la dirección de Laugghton.

3 La fotografía, con unos planos estáticos, fríos, donde los movimientos de cámara son escasos y lineales. Hay personas que incluso han calificado este movimiento de planos como una hipotética función matemática (esto ya es un nivel cinematográfica muy muy avanzado).

4 Los decorados, muy bien iluminados y falsos exteriores construidos en el set.

5 La música y las interpretaciones, que junto lleva a la encarnación visual de antagonismos como el bien y el mal, el amor y el odio, la luz y la oscuridad, la presa y el cazador, lo tierno y lo grosero…todo mostrado a través de una fábula terrorífica, como una pesadilla en forma de fábula, una aire de cuento infantil metido dentro de un mal sueño.

Charles Laughton, declarado homosexual por él mismo, tiene momentos en la película en la que esta afirmación puede ser puesta en duda en detalles como la furia que siente el predicador ante la coquetería femenina.

Aporta un aire de crítica a “el otro EEUU”, al EEUU rural, puritano e hipócrita.

Robert Mitchum, en su papel de falso predicador, representa la maldad más diabólica en escenas como su aparición boca abajo simulando a un murciélago desde la litera de arriba, su carrera por las escaleras con los brazos extendidos al estilo del Nosferatu de Murnau o su semejanza con una bestia herida.

Al contrario, Lillian Gish, antagonista de Mitchum, representa la más extrema bondad, su sola presencia tiene una potencia y una expresividad increíbles.

En fin, obra de arte imprescindible y de las que no vais a encontrar muchas más.

Últimamente estoy muy ocupadoy apenas puedo pasarme por aquí, así que para cuando acaben los examenes (y bueno, y pasen las fiestas populares de Torrejón) intentaré estar más por aquí. Además tenemos pendiente el concurso de Post...y dentro de uno meses el de blogs (el de septiembre tuvo una gran acogida).

Les ejo este enlace a todos los amantes del cine. En enlace es de una página llamada "abretelibro" (la recomiendo) y trata sobre escenas míticas, famosísimas del Séptimo Arte, quizá a los que les guste el cine les parezca interesante (además el hilo de ese tema lo he abierto yo xd).

http://www.abretelibro.com/foro/viewtopic.php?f=31&t=34232

Al llegar a la segunda página de este tema tengo un "ligero" traspiés.

Espero que os estéis portando bien en mi ausencia xd.